上世纪70年代的美国电影正处于新好莱坞新浪潮的高峰期。这是一个社会结构剧烈动荡的时代，越战阴影、尼克松水门事件、嬉皮文化退潮和经济危机交织在一起，带来广泛的不信任感和迷茫。好莱坞传统的英雄叙事与大制片厂体制逐渐失效，年轻导演和编剧开始主导银幕，他们更关注现实的复杂性和个人的异化。这种背景直接催生了《Taxi Driver (1976)》的诞生，并使其成为解读20世纪城市精神的经典范例。
70年代的美国城市，尤其是纽约，正经历衰败和治安恶化。城市空间变成冷漠、压抑与混乱的象征。新好莱坞潮流推动了反英雄类型电影的诞生——主人公不再是理想化的拯救者，而是社会边缘人和心理异化者。Martin Scorsese通过《Taxi Driver (1976)》塑造了Travis Bickle这个孤独的出租车司机，他的视角如镜头般冷静而疏离，将观众带入现代都市的精神荒原。
与好莱坞黄金时代的类型片不同，新好莱坞导演更倾向于使用主观镜头、破碎叙事和极具现实感的美学风格。电影中的夜色纽约、霓虹灯下的街头、甚至出租车内的空间，都在突出“城市疏离”这一70年代的时代主题。摄影师Michael Chapman采用手持摄影与自然光源，营造出阴郁、压抑的氛围，使观众仿佛身历其境。片中大量使用近距离特写和主观视角，让观众无法逃避Travis的精神世界。Bernard Herrma
最后一部配乐更以哀伤与不安的旋律，为电影注入深刻的心理张力。
《Taxi Driver (1976)》的反英雄设计打破了传统的道德二元对立。Travis既有拯救欲望，也有暴力倾向，反映出70年代美国社会普遍的困惑和愤怒。他的孤独、幻灭和对现实的抵抗，成为那个时代无数年轻人的心理投射。电影并未给出明确的价值判断，而是通过模糊的结局留下时代的复杂性。这种风格深刻影响了后来的类型演化。比如《Fight Club (1999)》中同样展现了都市中的异化与身份危机，延续并拓展了反英雄与社会批判的传统。
70年代好莱坞工业也在经历重大变革。成本控制与青年市场崛起，使得更多实验性和作者化作品获得空间。导演群体如Scorsese、Coppola、De Palma等共同推动了叙事自由化和类型融合。技术上的革新，如更便携的摄影器材与同步录音，令现实主义美学成为可能。编辑方式中断裂感与非线性结构的使用，使观众更为主动地参与理解电影。这些创新让《Taxi Driver (1976)》成为新好莱坞时代的代表作，并在影史上留下独特印记。
城市疏离不仅仅是一个时代的产物，也是现代社会持续的主题。即使在今天，观众依然能在《Taxi Driver (1976)》中看到都市生活的孤独、无力和对身份的追问。电影的美学风格和叙事方式，成为后世无数导演借鉴和致敬的对象。它让每一个时代的观众都能感受到个人与城市、理想与现实之间的张力。正因如此，《出租车司机》不只是70年代的经典，更是一部跨越时空的时代坐标。